El vanguardismo es un término usado básicamente en el siglo veinte para definir que buscaban innovación en la producción artística. En el mundo si algo queda después de la guerra fuera de la tristeza es el pensamiento alterado de diferentes personas que las obligan a expresarse como diferentes ideas de un grupo que terminan siendo una revolución que todas las revoluciones posen algo en común el arte y literatura.
Este movimiento ocurrió poco después del conflicto de las dos guerras y una de las cosas que impulso este movimiento fue la gran cantidad de innovaciones. Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo. Este movimiento se caracteriza por su rompimiento de lo tradicional, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación, audacia y libertad de la forma, y el carácter experimental. El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía, tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro por ejemplo muchos artistas como James Joyce el autor de Ulises.
Le vanguardismo tiene diferentes ramas como: impresionismo, expresionismo, fovismo, cubismo, futurismo, etc. Por ejemplo el impresionismo es consecuencia del fracaso de las pretensiones de la revolución de 1830, la de 1848 y la Comuna de París, el cubismo del cual salió Pablo Picasso, que nació en Francia en 1905.
Con esto concluimos que envés de que la vanguardia nazca de revoluciones participa en ellas y también las produce
Museos De El Salvador
Museo Marte
Uno de los atractivos de la capital es el Museo de Arte de El Salvador (MARTE). Esta importante galería se encuentra en los alrededores del Centro Internacional de Ferias y Convenciones (CIFCO) y a la par del Teatro Presidente, ambos ubicados en la colonia San Benito, en San Salvador.
Esta institución comenzó sus funciones el 22 de mayo de 2003. Tras el esfuerzo acumulado de varios años, MARTE se convirtió en un referente cultural del área centroamericana.
Este particular museo exhibe, de manera permanente, diversas formas de arte salvadoreño en colecciones privadas y la colección nacional, ya sea en pintura, dibujos, grabados y escultura. Son más de 260 obras disponibles, creadas por 177 artistas. Es así donde se puede apreciar una visión representativa del arte salvadoreño de mediados del siglo XIX hasta la época contemporánea.
Entre sus colecciones destacan obras de Rosa Mena Valenzuela, Salarrué, César Menéndez, Roberto Huezo, Carlos Cañas, José Mejía Vides y muchísimos más
De igual manera, se mantiene un programa de exhibiciones temporales importantes, con una duración que varía de un mes hasta tres, cuyo arte ha sido elaborado por maestros reconocidos por técnicas especializadas. Estas actividades de exhibición se complementan con un Programa Educativo que incluye visitas guiadas principalmente a las escuelas públicas del país, otro de capacitaciones dirigidas a docentes, y también talleres sabatinos además de charlas directamente vinculadas a las exhibiciones eventuales.
Cabe destacar que Marte también se presta a eventos de gran concurrencia como conciertos protagonizados por la Sinfónica Nacional de El Salvador, entre otras agrupaciones. Puede consultar el programa de MARTE para enterarse de este tipo de eventos.
Si desea adquirir algún artículo promocional, literatura nacional, postales, entre otras, puede encontrarlas en la tienda anexa a la entrada principal del museo. Encontrará también joyería y bisutería, además dispone de una colorida gama de vestimenta y accesorios de reconocidas marcas.
Cripta De Romero
Monseñor Romero, una voz que sigue presente
Probablemente la figura más reconocida de El Salvador, Monseñor Romero se volvió célebre por su predicación en defensa de los derechos humanos y murió asesinado en el ejercicio de su ministerio pastoral. Descubre el fascinante legado histórico de su vida en El Salvador y sé testigo de las experiencias que lo convirtieron en una figura religiosa, no solo para los salvadoreños, sino para muchos creyentes a nivel mundial. El Tour de Monseñor Romero por la ciudad de San Salvador ha sido especialmente creado para mostrar los principales sitios informativos de mayor relevancia que permitirán conocer su vida. Algunos de estos sitios son: la Capilla de la Divina Providencia, la Catedral Metropolitana, el Centro Histórico de la UCA, el salón permanente “Monseñor Romero” en el Museo de Antropología de San Salvador, entre otros. Explora la historia en los tiempos de la guerra de El Salvador a través de los ojos de este célebre personaje salvadoreño. ¿Qué esperas para descubrir su admirable historia?
Sala De Expocisiones
El Legado de Salarrué custodiado por el Museo de la Palabra y la Imagen, (MUPI), está representado en la exposición “Mujeres en Las Artes Visuales Salvadoreñas”, con obras pictóricas de Olga, Maya y Aída Salazar Lardé, hijas de Salarrué. La muestra inaugurada en la Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué”, que estará abierta hasta el 15 de abril, muestra un recorrido por la historia del arte nacional a través de la mirada de treinta y ocho mujeres artistas.
Las pinturas de las hermanas Salarrué, cultoras de las artes y las letras, las reflejan a cada una individualmente en sus diferentes personalidades y formas de pintar, y en esta muestra se podrá apreciar “Dance of Silence”, de Olga (1924-2005); una de las pinturas estilo naïf o primitivo que ilustra la edición Cuentos de Cipotes, de Maya (1995-1994), y “Autorretrato”, de Aída (1926-1995), obras que comparten escena con su madre Zelié Lardé.
En una entrevista realizada en Nueva York en 2004, Olga expresó: “Siempre vi a mi padre como “The Magician”, porque siempre nos hacía cositas divertidas, y sin duda, gracias él y mi madre Zelié, mis hermanas y yo tuvimos la niñez más linda, maravillosa e inspirada en las artes”.
En junio de 2003, el MUPI recibió el Archivo Personal de Salarrué, de manos de la Fundación La Casa de Salarrué, dirigida por el pintor Ricardo Aguilar “Humano”, quien por nueve años trabajó junto a la escultora Verónica Vides por el rescate de tan valioso legado que estuvo a punto de ser devorado por las polillas, la humedad y el olvido.
El legado de Salarrué, custodiado por el MUPI, contiene elementos de su esposa e hijas: manuscritos pinturas, bocetos, dibujos y esculturas. Igualmente se encuentran manuscritos de Cuentos de Cipotes, Trasmallo, Cuentos de Barro y otros
Actualmente, el MUPI, tiene en su sede la exposición “Himántara Diama Xitrán, Los Mundos de Salarrué”, la cual también esta itinerante dentro y fuera del país, y mantiene una exposición permanente en Villa Montserrat, en los Planes de Renderos, casa donde habitó.
El Barroco
Quien soy?
Quien soy?
apenas um joven que empieza
a vivir la vida!
Quien soy?
Me pregunte en mi mente
pensando en
mi futuro
Quien soy?
Mire reflejado de lo
que imagino ser
un dia
Quien soy?
preguntandome y pensando
en todo lo que me
rodea
Quien soy?
Mi respuesta la dije con mi
pensamiento en todo
lo que eh
logrado
Quien soy?
observe y analice
haciendo un breve viaje hacia el
pasado
Quien soy?
Un hijo de Dios
viviendo cada
dia para ser
mejor.
-Rudy william Guerra Lara
El Cine Salavadoreño
En los inicios del siglo XX, aún no se había asentado la existencia de las salas de cine como las existentes en la actualidad. En contraste las funciones se realizaban al aíre libre, y las imágenes se proyectaban en muros con mucho espacio como en el de las iglesias. Los asientos tenían que ser llevados por los visitantes, el acompañamiento sonoro se hacía por medio de actuaciones en vivo con instrumentos como marimbas, pianos y en algunas ocasiones orquestas.
La primera producción de la cual existe conocimiento realizada en el país fue la de Las Águilas Civilizadas que se filmó en cinta de 35mm por Virgilio Crisonino, la cual contaba la historia de amor entre una campesina y su patrón, se exhibió en el año 1927. En los primeros 50 años de historia fílmica salvadoreña, el género que predomino fue el deldocumental y el formato 35mm. Las producciones en su mayoría de esta época están ligadas al nombre de Alfredo Massi, el cual tiene una historia de 80 producciones, 25 de ellas realizadas en el formato de 35 mm y 55 en formatos de 16 mm.
Massi estuvo involucrado en dos empresas cinematográficas en las que una serie de documentales de lo que gobernantes como Maximiliano Hernández Martínez, Oscar Osorio y José María Lemus se sirvieron para fines de propaganda política. Massi filmó y produjo el primer noticiero cinematográfico salvadoreño financiado con capital propio: "Lorotone". Un documento importante de esa época es la filmación de los III Juegos Deportivos Centroamericanos y del Caribe (1935). Otros ejemplos de sus obras son: La revolución en marcha, El buen café salvadoreño y La Presa 5 de noviembre.
En los últimos años, el cine o la producción de cine largometraje es muy baja, sin embargo, los cortometrajes tienen un poco más de producción. Se han creado cortometrajes como Cinema Libertad, "Fumar no se Puede" y largometrajes como Sobreviviendo Guazapa. Además pequeñas empresas crean vídeos como Decacine
En los inicios del siglo XX, aún no se había asentado la existencia de las salas de cine como las existentes en la actualidad. En contraste las funciones se realizaban al aíre libre, y las imágenes se proyectaban en muros con mucho espacio como en el de las iglesias. Los asientos tenían que ser llevados por los visitantes, el acompañamiento sonoro se hacía por medio de actuaciones en vivo con instrumentos como marimbas, pianos y en algunas ocasiones orquestas.
La primera producción de la cual existe conocimiento realizada en el país fue la de Las Águilas Civilizadas que se filmó en cinta de 35mm por Virgilio Crisonino, la cual contaba la historia de amor entre una campesina y su patrón, se exhibió en el año 1927. En los primeros 50 años de historia fílmica salvadoreña, el género que predomino fue el deldocumental y el formato 35mm. Las producciones en su mayoría de esta época están ligadas al nombre de Alfredo Massi, el cual tiene una historia de 80 producciones, 25 de ellas realizadas en el formato de 35 mm y 55 en formatos de 16 mm.
Massi estuvo involucrado en dos empresas cinematográficas en las que una serie de documentales de lo que gobernantes como Maximiliano Hernández Martínez, Oscar Osorio y José María Lemus se sirvieron para fines de propaganda política. Massi filmó y produjo el primer noticiero cinematográfico salvadoreño financiado con capital propio: "Lorotone". Un documento importante de esa época es la filmación de los III Juegos Deportivos Centroamericanos y del Caribe (1935). Otros ejemplos de sus obras son: La revolución en marcha, El buen café salvadoreño y La Presa 5 de noviembre.
En los últimos años, el cine o la producción de cine largometraje es muy baja, sin embargo, los cortometrajes tienen un poco más de producción. Se han creado cortometrajes como Cinema Libertad, "Fumar no se Puede" y largometrajes como Sobreviviendo Guazapa. Además pequeñas empresas crean vídeos como Decacine.
Salas De Cine El Salvador
Ha cambiado la forma de verlo pero no deja de consumirse, es demasiado maravillosos para que deje de existir. El placer del cine lo provoca el cine no los lugares en donde lo vemos
Texto por Héctor Ismael Sermeño*
Foto: Carlos Barrera
El cinematógrafo es un invento excepcionalmente maravilloso. Combina la tecnología con el talento de mucha gente(a veces también la falta de éste): técnicos, ingenieros, arquitectos, escritores, escenógrafos, camarógrafos, productores, directores y, los visibles; actores. Todos formando equipos de pequeños y compactos, hasta enormes en recursos humanos y financieros; según sea el tamaño de la cinematografía y/o la empresa que la construya y la lleve a cabo.
Es artesanía, negocio y, en determinados momentos, arte de primera categoría. Conjunta todas las bellas artes y las usa para su propio beneficio y el de la humanidad a partir de la construcción y elaboración de fabulosas obras de arte. Es el espectáculo masivo por excelencia y dio más fuerza a sus creadores e inversionistas cuando extendió su alcance a la televisión, primero y a las redes electrónicas después, en donde se puede ver cine y se ve, en su propia casa.
Pero en el principio necesitó de lugares apropiados para su exhibición y explotación, muchos teatros en todo el mundo fueron convertidos en salas de cine de manera inicial. Se proyectaron películas en cafeterías, bares y hasta paredes blancas de casas e iglesias. Sin embargo, posteriormente se construyeron lugares ex profeso. El espacio no era muy complicado: un amplio galpón de uno, dos y hasta, tres niveles; una pequeña sala de proyección, un lobby con una tienda de dulces y bebidas; también baños. Estos últimos harían historia sexual en muchos usuarios. Todas eran en ese formato arquitectónico, independiente del menor o mayor lujo y ornamentación, según su ubicación y el perfil del cliente al que iba dirigido su uso. Los de mayor categoría tenían marquesina iluminada.
También se les construyó escenario, como en los teatros y servían como auditorios para presentaciones de obras y grandes figuras del espectáculo nacional e internacional. Su parentesco con los teatros era casi de hermanos, solo sin la campana o cúpula de los escenarios de los verdaderos centros de montajes escénicos. En nuestros días, estos espacios han desaparecido en las nuevas salas.
En El Salvador, las primeras proyecciones de películas extranjeras y nacionales, se llevaron a cabo en un hotel. Posteriormente los teatros privados como el Principal, el Colón y el Variedades, comenzaron a proyectar películas, sin dejar de lado las artes escénicas. Esto sucedía desde 1909. En 1917 también el Teatro Nacional, recién estrenado, comenzó a exhibir películas; tal como sucedió en el anterior desde 1899 hasta su incendio en 1910. Los teatros Variedades y Principal, llegaron a tener sus propios equipos de filmación y también sus propios técnicos.
Al aumentar el éxito del cinematógrafo, a San Salvador se le hicieron insuficientes los teatros para la ya enorme producción de Hollywood, México, Argentina y Europa, además de la nacional; los noticieros, documentales y anuncios diversos producidos en el país. En 1922 se construyó el Cine Mundial, primera gran sala de cine solo para cine, pero como ya se dijo, con escenario para eventos teatrales, sociales y culturales. En el interior de la República, una veintena de ciudades tenían ya salas de cine en el mismo momento. Los teatros de Santa Ana y San Miguel también eran utilizados para proyecciones fílmicas
TEATRO Y CINE
El cine, por su expresivo lenguaje, se convirtió en el destino de la recreación, popular y no popular, por excelencia. Era barato, podía asistirse solo o acompañado, en familia o sin ella; con amigos, novios, etc. Los teatros tienen otra función dada su naturaleza y había que construir más cines. Así en 1935, existían unas diez salas en la Capital y unas treinta en el interior del país. El General Maximiliano Hernández Martínez creó el Circuito de Teatros Nacionales en1933 aduciendo que el cine, en particular en el que él aparecía, debía ser para el pueblo ya que las salas privadas no permitían el fácil acceso a las clases populares; además de tener una obligación en la beneficencia pública. También era uno más de sus intereses en controlar los materiales exhibidos.
Para este circuito se tomaron nuevamente los tres teatros nacionales para ser la cabeza de dicha empresa paraestatal. El deterioro de las históricas salas fue terrible. En el de San Salvador, algunos empleados llegaron a alquilar los palcos y el tercer nivel como sitios de trabajo sexual. Simultáneamente los centros de artes escénicas recibían compañías de espectáculos teatrales de buen nivel internacional y se permitía a las compañías nacionales su uso para tal fin. Pero el deterioro fue indetenible, hubo momentos en que ni la tramoya y la iluminación funcionaban bien.
En 1958, San Salvador solo llegó a tener seis salas estatales: El Nacional, el Apolo( antiguo Teatro Variedades) remodelado para ser el lujo del Circuito con exclusivos estrenos; el Follies, bastante pequeño; los cines de barrio Iberia y América y el gigantesco Popular, ubicado en el sitio de los restos del cine Libertad, con cuatro mil butacas, que servía como auditorio para las figuras internacionales, boxeo, lucha libre, y eventos masivos de cualquier índole. Este último desapareció en los 1960. En el interior del país llegaron a ser diez y ocho más, con un total de 24. En los 1970 y 1980, construyeron el Presidente, el Zacamil y el Mar en Acajutla.
Mientras tanto, en 1958, las salas privadas sumaban catorce en la Capital y 29 en el interior del país, para un total de 43: El lujoso cine Caribe encabezaba la lista de la empresa Teatros de El Salvador; el Darío que también era teatro de los buenos, el Central, Avenida, Izalco, México, Roxi, Fausto, Modelo, París, Capitol, Deluxe. Otros eran el Regis, el Tropicana y antes el Coliseo. En los 1980 era varios más: el Terraza, el Viéytez, Cinelandia, Colonial y a finales de los años sesenta del siglo pasado un Auto Cine. También el Majestic, los gemelos Paseo y Uraya, Beethoven 1 y 2, tres multicines Reforma, Metro, Universal y tres salas España. Llegaron a vender en conjunto más de tres millones y medio de entradas al año. Casi toda la población iba al cine.
Los centros de artes escénicas de principios del XX, seguían siendo maltratados. En 1962, se entregó el Nacional capitalino a la Dirección General de Bellas Artes, con la finalidad de que fuera únicamente utilizado para los fines originales. Poco tiempo duró y volvió a ser un cine de tercera categoría en una Sala de primera, hasta 1976 año en que se acordó restaurarlo y convertirlo en el palacio de las artes escénicas salvadoreñas como sucede hoy. Igual pasó con los Teatros de Santa Ana y San Miguel. El cierre del Circuito de Teatros Nacionales en los 1990, propició, junto con el terremoto de 1986, la debacle de las gubernamentales; pero permitió la recuperación de las tres magníficas salas teatrales, propiedad del Estado, de principios del siglo XX.
Foto: Carlos Barrera
El cinematógrafo es un invento excepcionalmente maravilloso. Combina la tecnología con el talento de mucha gente(a veces también la falta de éste): técnicos, ingenieros, arquitectos, escritores, escenógrafos, camarógrafos, productores, directores y, los visibles; actores. Todos formando equipos de pequeños y compactos, hasta enormes en recursos humanos y financieros; según sea el tamaño de la cinematografía y/o la empresa que la construya y la lleve a cabo.
Es artesanía, negocio y, en determinados momentos, arte de primera categoría. Conjunta todas las bellas artes y las usa para su propio beneficio y el de la humanidad a partir de la construcción y elaboración de fabulosas obras de arte. Es el espectáculo masivo por excelencia y dio más fuerza a sus creadores e inversionistas cuando extendió su alcance a la televisión, primero y a las redes electrónicas después, en donde se puede ver cine y se ve, en su propia casa.
Pero en el principio necesitó de lugares apropiados para su exhibición y explotación, muchos teatros en todo el mundo fueron convertidos en salas de cine de manera inicial. Se proyectaron películas en cafeterías, bares y hasta paredes blancas de casas e iglesias. Sin embargo, posteriormente se construyeron lugares ex profeso. El espacio no era muy complicado: un amplio galpón de uno, dos y hasta, tres niveles; una pequeña sala de proyección, un lobby con una tienda de dulces y bebidas; también baños. Estos últimos harían historia sexual en muchos usuarios. Todas eran en ese formato arquitectónico, independiente del menor o mayor lujo y ornamentación, según su ubicación y el perfil del cliente al que iba dirigido su uso. Los de mayor categoría tenían marquesina iluminada.
También se les construyó escenario, como en los teatros y servían como auditorios para presentaciones de obras y grandes figuras del espectáculo nacional e internacional. Su parentesco con los teatros era casi de hermanos, solo sin la campana o cúpula de los escenarios de los verdaderos centros de montajes escénicos. En nuestros días, estos espacios han desaparecido en las nuevas salas.
En El Salvador, las primeras proyecciones de películas extranjeras y nacionales, se llevaron a cabo en un hotel. Posteriormente los teatros privados como el Principal, el Colón y el Variedades, comenzaron a proyectar películas, sin dejar de lado las artes escénicas. Esto sucedía desde 1909. En 1917 también el Teatro Nacional, recién estrenado, comenzó a exhibir películas; tal como sucedió en el anterior desde 1899 hasta su incendio en 1910. Los teatros Variedades y Principal, llegaron a tener sus propios equipos de filmación y también sus propios técnicos.
Al aumentar el éxito del cinematógrafo, a San Salvador se le hicieron insuficientes los teatros para la ya enorme producción de Hollywood, México, Argentina y Europa, además de la nacional; los noticieros, documentales y anuncios diversos producidos en el país. En 1922 se construyó el Cine Mundial, primera gran sala de cine solo para cine, pero como ya se dijo, con escenario para eventos teatrales, sociales y culturales. En el interior de la República, una veintena de ciudades tenían ya salas de cine en el mismo momento. Los teatros de Santa Ana y San Miguel también eran utilizados para proyecciones fílmicas
TEATRO Y CINE
El cine, por su expresivo lenguaje, se convirtió en el destino de la recreación, popular y no popular, por excelencia. Era barato, podía asistirse solo o acompañado, en familia o sin ella; con amigos, novios, etc. Los teatros tienen otra función dada su naturaleza y había que construir más cines. Así en 1935, existían unas diez salas en la Capital y unas treinta en el interior del país. El General Maximiliano Hernández Martínez creó el Circuito de Teatros Nacionales en1933 aduciendo que el cine, en particular en el que él aparecía, debía ser para el pueblo ya que las salas privadas no permitían el fácil acceso a las clases populares; además de tener una obligación en la beneficencia pública. También era uno más de sus intereses en controlar los materiales exhibidos.
Para este circuito se tomaron nuevamente los tres teatros nacionales para ser la cabeza de dicha empresa paraestatal. El deterioro de las históricas salas fue terrible. En el de San Salvador, algunos empleados llegaron a alquilar los palcos y el tercer nivel como sitios de trabajo sexual. Simultáneamente los centros de artes escénicas recibían compañías de espectáculos teatrales de buen nivel internacional y se permitía a las compañías nacionales su uso para tal fin. Pero el deterioro fue indetenible, hubo momentos en que ni la tramoya y la iluminación funcionaban bien.
En 1958, San Salvador solo llegó a tener seis salas estatales: El Nacional, el Apolo( antiguo Teatro Variedades) remodelado para ser el lujo del Circuito con exclusivos estrenos; el Follies, bastante pequeño; los cines de barrio Iberia y América y el gigantesco Popular, ubicado en el sitio de los restos del cine Libertad, con cuatro mil butacas, que servía como auditorio para las figuras internacionales, boxeo, lucha libre, y eventos masivos de cualquier índole. Este último desapareció en los 1960. En el interior del país llegaron a ser diez y ocho más, con un total de 24. En los 1970 y 1980, construyeron el Presidente, el Zacamil y el Mar en Acajutla.
Mientras tanto, en 1958, las salas privadas sumaban catorce en la Capital y 29 en el interior del país, para un total de 43: El lujoso cine Caribe encabezaba la lista de la empresa Teatros de El Salvador; el Darío que también era teatro de los buenos, el Central, Avenida, Izalco, México, Roxi, Fausto, Modelo, París, Capitol, Deluxe. Otros eran el Regis, el Tropicana y antes el Coliseo. En los 1980 era varios más: el Terraza, el Viéytez, Cinelandia, Colonial y a finales de los años sesenta del siglo pasado un Auto Cine. También el Majestic, los gemelos Paseo y Uraya, Beethoven 1 y 2, tres multicines Reforma, Metro, Universal y tres salas España. Llegaron a vender en conjunto más de tres millones y medio de entradas al año. Casi toda la población iba al cine.
Los centros de artes escénicas de principios del XX, seguían siendo maltratados. En 1962, se entregó el Nacional capitalino a la Dirección General de Bellas Artes, con la finalidad de que fuera únicamente utilizado para los fines originales. Poco tiempo duró y volvió a ser un cine de tercera categoría en una Sala de primera, hasta 1976 año en que se acordó restaurarlo y convertirlo en el palacio de las artes escénicas salvadoreñas como sucede hoy. Igual pasó con los Teatros de Santa Ana y San Miguel. El cierre del Circuito de Teatros Nacionales en los 1990, propició, junto con el terremoto de 1986, la debacle de las gubernamentales; pero permitió la recuperación de las tres magníficas salas teatrales, propiedad del Estado, de principios del siglo XX.
Historia Del Tatuaje
El arte de tatuar se remonta en el tiempo más lejos de lo que la mayoría de la gente piensa.
 Los Egipcios ya conocían y practicaban la técnica del tatuaje hace 3000 años. Se sabe que ya que desde la XI dinastía egipcia se practicaba el arte del tatuaje. Uno de las más famosas momias tatuadas Amunet, una sacerdotisa de la diosa Hathor, en Tebas.Se le observaron varios líneas y puntos tatuadas sobre su cuerpo. En la Momia de Asecond también se encontraron estos mismos modelos, pero además tenía punteada su región púbica más baja. Las evidencias hasta la fecha sugieren que en el antiguo Egipcio este arte fue restringido a las sacerdotisas. La prueba de que el tatuaje ha convivido desde siempre con el hombre se encontró en 1991 en un glaciar situado en la frontera entre Austria e Italia. Allí apareció congelado un cazador neolítico de hacía 5300 años, con la espalda y rodillas tatuadas. En la foto de la derecha se puede ver un segundo "hombre de hielo" encontrado en Siberia, se cree que murió hace 2500!. En él se podía observar un tatuaje en el hombro. Este último puede visitarse en el museo de Moscú. El tatuaje fue reintroducido en la sociedad occidental por los expedicionarios ingleses dirigidos por el Capitán Cook en su vuelva de Tahiti en 1771. Esto explica la natural asociación que ha prevalecido hasta nuestros días entre los tatuajes y los marineros.A modo de anécdota contaremos que Don Juan de Borbón (Padre del actual Rey de España) llevaba su antebrazo derecho tatuado, un recuerdo de su estancia en la marina Inglesa. Y que miembros de la realeza británica volvieron tatuados de sus expediciones por los Mares del Sur.   La asociación entre tatuajes y delincuencia provinó también de aquí, los marineros, gente que menudo se embarcaba durante largos períodos de tiempo para evitar a la justicía, fue fomentando esta asociación.Los tatuajes permanecieron en letargo hasta que resurgieron con los hippies en los años 60 y 70, estos adoptaron el tatuaje y lo elevaron a la categoría de arte, abandonando los motivos marineros y realizandose grandes diseños muy coloristas, acorde con la época. Esto hizo salir el tatuaje de los puertos y empezó una primera popularización del tatuaje. Ya en nuestros días estos hippies son oficinistas, maestros y directivos , pero en su piel perdura su marca de su juventud, lo que ha contribuido ha la gran popularización del tatuaje, desligandolo totalmente de marineros y delincuentes. Esta reconversión de la aceptación social del tatuaje ha llevado a que actualmente la gente cada vez sienta más interés en decorar susu cuerpo.  Se cree que el proceso del tatuaje era mucho más elaborado que en la actualidad, era un ritual que por ejemplo en Egipto era realizado casi exclusivamente por mujeres, un proceso doloroso que la mayoría de las veces se usaba para demostrar valentía o confirmar la madurez, en la misma forma que todavía se puede observar en los rituales de tribus de Nueva Zelanda. Borneo es uno de los pocos lugares donde se practica actualmente la forma tradicional del tatuaje tribal. El tatuaje y el piercing recuerdan el arte de Bali y Java, y los instrumentos de tatuaje son similares a los usados en la Polinesia. El tatuaje de la Polinesia fue el más artístico en el mundo antiguo, estaba caracterizado por diseños geométricos elaborados, que eran embellecidos y renovados durante toda la vida del individuo hasta que cubrían su cuerpo entero. Según Marco Polo en su "Travels" el respeto a una persona se medía por la cantidad de tatuajes que tuviera.El tatuaje se usaba también como castigo, y los individuos acusados de sacrilegio debían ser tatuados. Debido a esto, los médicos griegos y romanos empezaron a practicar la remoción de tatuajes. Lentamente se abandonó el tatuaje de esclavos y criminales al extenderse el cristianismo en el Imperio Romano. El emperador Constantino, primer emperador cristiano de Roma, emitió un decreto en contra de esta actividad. Se cree que la actitud negativa contra el tatuaje tuvo su origen en este decreto. En Norte América, se asoció el tatuaje con prácticas religiosas y mágicas, era un rito simbólico y una marca única que permitiría que el alma superara los obstáculos en su camino a la muerte. El tatuaje era una práctica común entre los nativos de América Central, los nativos tatuaban en sus cuerpos imágenes de dioses. El arte del tatuaje fue redescubierto por los exploradores. Banks, artista científico que navegó junto al Capitán Cook, describió en 1769 el proceso del tatuaje de la Polinesia. Los marineros de Cook iniciaron la tradición de los hombres de mar tatuados y extendieron rápidamente esta aficción entre los marineros, quienes aprendieron el arte y lo practicaron a bordo.También fueron los viajes de Cook los que describieron el arte Moko entre los maoríes, un doloroso y elaborado proceso que duraba meses y que daba por resultado diseños negros en espiral y a rayas.  Alrededor del 1000 A.C el tatuaje logró la entrada por medio de las rutas comerciales a la India, China y Japón. A pesar de un glorioso inicio en Japón, el tatuaje estaba reservado para aquellos que habían cometido crímenes serios, y los individuos tatuados eran aislados por sus familias, ésto constituía el peor de los castigos. El emperador Matsuhito, ante la apertura de Japón al occidente decidió prohibir los tatuajes para no dar la impresión de salvajismo ante los extranjeros.En América donde había existido desde siglos atrás, sólo tuvo eco masivo durante la Guerra Civil. Uno de los primeros tatuadores profesionales fue C.H.Fellows. Se considera que el primer estudio tatuajes fue el abierto en 1870 en Nueva York por Martin Hildebrant, inmigrante alemán. Su mayor competencia fue Samuel O' Reilly inventor de la máquina de tatuar en 1891, esta máquina estaba inspirada en una maquinaria inventada por Thomas Edison. Alrededor de 1900 existían estudios de tatuaje en casi todas las ciudades importantes. Hoy en día, es famoso en el mundo entero del tatuaje el nombre de Sailor Jerry Collins (1911-1973). En España, se puede empezar a hablar de tatuaje y de tatuadores alrededor de los años sesenta y setenta. Esta actividad comenzó en las zonas portuarias, donde se tatuaban marineros pero también personas adineradas que disponían de embarcación. A finales de los años setenta y principios de los ochenta, el fenómeno se difundió todavía más, de manera especial entre las clases medias altas, con el nacimiento de una cultura alternativa que consideraba este arte como una forma de extravagancia. En los años ochenta, bajo el impulso de la cultura punk, heavy, rocker y de otras nuevas tendencias los jóvenes empezaron a interesarse por el tatuaje. |
El Tatuaje Es Un Arte
Los tatuajes también son arte
En este mundo te discriminan por cualquier cosa: tus creencias, color de piel, clase social y la lista puede seguir y seguir; entonces no es ninguna novedad que te discriminen pordecidir marcar tu piel de alguna manera, ya sea con un tatuaje o una perforación. Mucha gente piensa que el hecho de tener algo así en tu cuerpo te convierte automáticamente en un drogadicto vagabundo que se odia a sí mismo y todos deben rechazar.
Pero la realidad es que muy poca gente sabe de donde vienen los tatuajes, no les importa que hay verdaderos artistas del tatuaje ni que es una forma más para expresarse; rechazan lo desconocido en lugar de buscar información y saber exactamente qué es lo que no les gusta.
Según una definición de diccionario, un tatuaje es el grabado de dibujos en la piel humana, introduciendo materias colorantes bajo la epidermis, por las punzadas o picaduras previamente dispuestas. Pero un tatuaje es mucho más que eso, es una forma de demostrar identidad, pertenencia y un medio para decirle al mundo lo que pensamos de la vida.
Es claro que un tatuaje no es una decisión que deba tomarse a la ligera, pues, partiendo de que es algo que es para siempre (incluso los métodos para removerlos dejan una cicatriz), es necesario estar completamente seguros de que queremos hacerlo y de que verdaderamente queremos que aquello que decidimos marcar se quede ahí para siempre.
Según los registros, se han encontrado momias tatuadas con más de cinco mil años de antigüedad que muestran marcas en la piel como símbolo de estatus, como forma de adorar a los dioses o como un método para identificar castas. En Oriente, por ejemplo, se sabe que se empezó a trabajar la técnica tradicional del tatuaje por ahí del siglo X a.C y que los tatuajes incluso fueron utilizados por algunos emperadores con líneas mucho más estéticas y de forma ornamental, pues en Japón se tenía la costumbre de marcar a los delincuentes con tatuajes vergonzosos; esto posteriormente se transformó en el Yakuza: un tipo de tatuaje que cubría casi la totalidad del cuerpo y servía para distinguir a los distintos bandos de la mafia japonesa.
Los tatuajes llegaron al mundo occidental gracias a los marineros que viajaron a la India y las Islas Polinesias, ahí tuvieron la oportunidad de ver el arte en la piel y fueron instruidos en la técnica del tatuaje. Se sabe que el primer estudio de tatuajes estuvo en la ciudad de Nueva York y abrió en 1846. El estudio atendía a los sectores populares y ser tatuador empezó a verse como una profesión después de la invención de la primera máquina de tatuajes. A pesar de que ya tenía valor estético, los nazis los utilizaron para marcar a sus victimas al ingreso del campo de concentración, poniéndoles un número con tinta azul.
Los años han pasado y los tatuajes han ido obteniendo un mayor valor estético dentro de la sociedad; durante los últimos años se ha popularizado tanto la cultura que incluso hay programas de televisión donde se puede ver cómo es la vida dentro de un estudio de tatuajes. Aaron Cain, Paul Booth, Nick Baxter,Ryan Dearringer y Carson Hill forman parte de la lista de los mejores tatuadores del mundo, no sólo por su destreza en el dibujo sino por su excelente manejo de los colores y la biomecánica.
Hoy en día, la práctica del tatuaje se ha vuelto tan común que incluso se ha logrado que el plomo desaparezca prácticamente de las tintas; esto evita reacciones alérgicas, que el tatuaje se ponga opaco y da, como máximo beneficio, la posibilidad de donar sangre dos años después de haberse realizado el tatuaje; también existen tintas especiales para aquellas personas veganas, dichas tintas están hechas con colorantes vegetales y minerales que permiten que el pigmento sea mucho más natural y cero contaminante.
Los tatuajes también son un arte, son una forma de expresarnos y de demostrar nuestra identidad; la capacidad de hacer algo que permanezca para siempre en la piel es admirable, es por eso que el trabajo de los artistas del tatuaje es tan complejo. Por difícil que pueda ser, aceptar la piel tatuada es parte de entender y aceptar a la sociedad, pues como toda obra de arte, un tatuaje también es un reflejo de ésta.
*Nota: No todos los tatuajes son arte ni todos los tatuadores son artistas, así que si estás considerando tatuarte busca un diseño que de verdad te guste y busca alguien que vaya a hacer un buen trabajo, no vayas a terminar así:
El Piercing
El piercing es una forma de expresión tan vieja como la cultura, que ha existido prácticamente en la totalidad de las civilizaciones. En occidente, durante casi todo el siglo veinte quedo reducido a la simple perforación de los lóbulos de las orejas para colocar pendientes. Pero en la última década se ha difundido enormemente, sobretodo entre los jóvenes, hasta el punto de ser tan común encontrar a una persona con un pendiente en la oreja como otra que lleve uno o varios piercings en el ombligo, labio o la lengua. ¿La razón? Puede ser desde simplemente decorarse el cuerpo, hasta identificarse dentro de un grupo social. Resulta imposible establecer en que momento exacto apareció el anillado corporal o piercing en la historia de la humanidad aunque lo cierto es que su origen es tan antiguo como la misma piel. Por una gran variedad de motivos es un arte antiguo y venerable que en las últimas décadas parece haber emergido de nuevo.
Ya en la Roma de los centuriones, los miembros de la guardia del Cesar llevaban aros en los pezones como muestra de su virilidad y coraje así como un accesorio de sus vestimentas ya que les permitían colgar en ellos las cortas capas que usaban. Esta práctica también fue bastante común entre las chicas de la alta sociedad d la era victoriana. Lo hacían para realzar el volumen de sus pezones.
El ombligo anillado era un signo de la antigua realeza egipcia y prohibido a todos aquellos que no fuesen nobles. En aquellos tiempos, los ombligos muy profundos eran los más apreciados. Es de todos bien sabido que en la India muchas mujeres han sido anilladas en la nariz desde muy pequeñas. Esta tradición la suelen llevar a cabo las abuelas, que deberán anillar a sus nietas antes de que se casen. Se piensa que originalmente se hacia como signo de sumisión y devoción de la mujer hacia su marido. Este piercing se realiza en uno otro lado de la nariz en función de la etnia a la que pertenezca la mujer. Cuando el pendiente se coloca en el espacio entre las dos fosas nasales recibe el nombre se Septum, grupos étnicos de distintas partes del mundo lo han utilizado y muchos de ellos todavía hoy siguen practicándolos, como en Papua Nueva Guinea, Polinesia, África, India, en un principio su función era defensiva ya que daba un aspecto mas feroz a quien lo llevaba aunque sus fines actualmente son también estéticos, y permiten a los distintos grupos tribales diferenciarse entre ellos, conocer el estatus social del que lo lleva, etc. Algunas mujeres de Rajastan (India) llevan en su Septum grandes aros de oro finamente trabajados con una finalidad cultural y estética. 
En unos jeroglíficos mayas que datan del año 709 A.C aparece el "Jaguar Protector", cinco días después de haber asumido el titulo de Señor de la sangre de Yaxchilan. En estos jeroglíficos y dibujos se ve e "rito de la sangre" practicado por su esposa principal, Lady Xoc. Esta arrodillada ante su marido, tira de una cuerda a la que se han insertado espinas a través de su lengua. Quizás este rito tan antiguo tiene que ver con los orígenes del piercing en la lengua como hoy lo conocemos. Todavía hoy, entre algunos grupos étnicos de Brasil, existe la costumbre de hacer una pequeña incisión bajo el labio que progresivamente se ira agrandando hasta alcanzar el tamaño deseado. En el se colocara una pieza circular por lo que la modificación corporal es impresionante. También suelen realizarse este tiempo de agrandamientos en los lóbulos de las orejas.
En muchas tribus de África (poblados Suya, Sara, Lobi, Kirdi) es muy común esta práctica y existe la tradición de que las jóvenes solteras comiencen a agrandar su labio en el momento en que se prometen. Este proceso dura todo el noviazgo y hasta el momento de la boda. Es la prometida la que realiza un plato de barro cocido que progresivamente ira cambiando por otro más grande. A mayor tamaño del plata, mayor será la dote que la familia del novio pagara a la familia del novio. Desde la época de la inquisición y concretamente Concilio de Trento, algunas comunidades religiosas han usado el anillado genital (por ejemplo los pertenecientes a la Orden de los Carmelitos de la Santa Faz) cómo método de castidad y de expiación de la culpa. Los marinos y piratas acostumbraban a ponerse un aro en la oreja cada vez que cruzaban el Ecuador. Los caballeros cruzados trajeron con ellos grandes pendientes de piedras preciosas de la corte de Saladino. Los turcos influyeron en la estética de sus atacantes con sus grandes aros colgando de sus lóbulos. En el s.XVII creían que ponerse una tira de metal en la oreja tenía propiedades terapéuticas y hasta que si lo llevaban en el lado izquierdo el demonio no entraría en sus cuerpos. Podríamos continuar con referencias históricas del anillado corporal aunque lo que nos parece realmente importante es el creciente interés durante las últimas décadas por las tan visuales, y algunas veces chocantes, prácticas de modificación corporal primitivas cómo el piercing, tatuajes, cutting, branding, rastas...
Historia del Graffity
A finales de los sesenta los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban pseudónimos, creandose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para sus amigos o incluso para sus enemigos. Quizás el ejemplo más significativo y a la vez el más conocido por todos sea el de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad de 17 años comenzó a poner su apodo. Su verdadero nombre era Demetrius (de ahí el diminutivo “Taki”) y 183 era la calle donde vivía (poner el nombre de la calle fue un elemento usado por muchos más escritores). Taki trabajaba como mensajero y viajaba constantemente en el metro de un lado a otro de la ciudad. En el trayecto estampaba su tag (firma) en todos los lados, dentro y fuera del vagón. El no lo consideraba como algo malo, de hecho respondía así a las preguntas que le formularon en una entrevista en el New York Times: “Simplemente es algo que tengo que hacer. Trabajo, pago mis impuestos y no hago daño a nadie”. Estos actos le convirtieron en un héroe y poco después cientos de jóvenes empezaron a imitarle.
Algunos de los escritores también destacados de aquella época fueron: Frank 207, Chew 127, Julio 204, Bárbara 62... En principio no buscaban estilo, sólo querían aparecer por todos los lados. Es a partir de aquí cuando surgió el boom y cientos de adolescentes comenzaron a poner su nombre por toda la ciudad, haciéndose necesaria la creación de un estilo, tanto en la caligrafía, como en los métodos de ejecución o incluso los lugares utilizados para dicho fin. Por ejemplo, Soul 1, un escritor de la zona de Manhattan, se dedicó a escribir su nombre a media altura en los laterales de los edificios. Tracy 168 citaba: “Eran inalcanzables para el resto de los humanos. Parecía que podía volar”. También podríamos destacar la anécdota de Bama, cuyo deseo por superar a los demás en cuanto a emplazamiento de sus pintadas le llevó a intentar escribir su nombre en lo alto de una montaña situada en el norte del estado de Nueva York. Cual sería su sorpresa cuando al apartar los ramajes y limpiar la superficie vió que se le habían adelantado: “¡Mierda!”. Se lamentaba el muchacho. Un caso muy sonado fue el de Seen al pintar su nombre en letras gigantescas en el mismísimo letrero de la colina de Hollywood.
En cuanto a la caligrafía, en principio se utilizaba una bastante legible, hasta la llegada a Nueva York de un graffitero de Filadelfia llamado Top Cat, quien afirmaba que todo lo que sabía sobre graffiti lo había aprendido en el legendario pan de maíz de Filadelfia. Escribía su nombre en letras finas y alargadas muy juntas. Eran difíciles de entender, pero precisamente esto las hacía destacar de las demás y llamaban la atención del resto, por lo que un gran número de escritores de Manhattan adoptaron su estilo y lo bautizaron como “Broadway Elegant”. Como contra, algunos escritores de Brooklyn inventaron su propio estilo, que consistía en letras más separadas adornadas con corazones, flechas, espirales... Y, por supuesto, el Bronx también tuvo su periodo de popularidad de estilo cuyo resultado era la mezcla de los dos anteriores. Aunque hay que decir que al final cada escritor optó por la creación de su propio estilo. Llegó un momento en el que el amasijo de firmas era tal, que surgió la necesidad de concentrarse en el tamaño y color de las letras, surgiendo así los primeros tags con “outline” (filete o línea de borde) iniciados por Super Kool y que más tarde Phase 2 perfeccionó dando como resultado unas letras más gordas perfiladas y coloreadas:bubble letters o letras pompa. De aquí posteriormente nacieron los ya famosos throw up o vomitados, que como su nombre indica, son piezas espontáneas y de realización rápida. Otro tipo de letras son las block letters, perfectamente legibles similares a los rótulos. Pero el afán competitivo va más allá, y la obsesión por conseguir popularidad y respeto llega a una complejidad artística tal que las letras empiezan incluso a ser difíciles de entender, culminando así en el estilo más genuino del Bronx: Wild style o estilo salvaje.
En cuanto a la caligrafía, en principio se utilizaba una bastante legible, hasta la llegada a Nueva York de un graffitero de Filadelfia llamado Top Cat, quien afirmaba que todo lo que sabía sobre graffiti lo había aprendido en el legendario pan de maíz de Filadelfia. Escribía su nombre en letras finas y alargadas muy juntas. Eran difíciles de entender, pero precisamente esto las hacía destacar de las demás y llamaban la atención del resto, por lo que un gran número de escritores de Manhattan adoptaron su estilo y lo bautizaron como “Broadway Elegant”. Como contra, algunos escritores de Brooklyn inventaron su propio estilo, que consistía en letras más separadas adornadas con corazones, flechas, espirales... Y, por supuesto, el Bronx también tuvo su periodo de popularidad de estilo cuyo resultado era la mezcla de los dos anteriores. Aunque hay que decir que al final cada escritor optó por la creación de su propio estilo. Llegó un momento en el que el amasijo de firmas era tal, que surgió la necesidad de concentrarse en el tamaño y color de las letras, surgiendo así los primeros tags con “outline” (filete o línea de borde) iniciados por Super Kool y que más tarde Phase 2 perfeccionó dando como resultado unas letras más gordas perfiladas y coloreadas:bubble letters o letras pompa. De aquí posteriormente nacieron los ya famosos throw up o vomitados, que como su nombre indica, son piezas espontáneas y de realización rápida. Otro tipo de letras son las block letters, perfectamente legibles similares a los rótulos. Pero el afán competitivo va más allá, y la obsesión por conseguir popularidad y respeto llega a una complejidad artística tal que las letras empiezan incluso a ser difíciles de entender, culminando así en el estilo más genuino del Bronx: Wild style o estilo salvaje.
Ya a finales de los setenta, el graffiti alcanza sus cotas más altas con la incorporación de imágenes de la iconografía popular tales como personajes de cómic o dibujos animados, e incluso retratos y autorretratos en forma de caricatura (estas influencias se verán más adelante en un apartado especial). Con la incorporación de estas imágenes aparecen en escena las complejas master pieces (piezas maestras), que además de hacer distinguir a los grandes maestros de los principiantes, amplían de manera considerable el tamaño de las obras.
La comunidad del writing arde de expresividad, y esto lleva a un estado de competitividad feroz que se traduce en el auge de las conocidas Guerras de estilo (Style Wars) para nada violentas. Esta competición desemboca en las alianzas entre escritores. Es un momento muy importante, puesto que nos encontramos ante el nacimiento de las crews(pandillas, grupos). Su objetivo es la de hacerse más fuertes y así conseguir el respeto de los demás. Hay que tener en cuenta de que el hecho de que haya más miembros de un mismo grupo poniendo el mismo nombre facilita el acto de “dejarse ver” (gettin’ up).
La comunidad del writing arde de expresividad, y esto lleva a un estado de competitividad feroz que se traduce en el auge de las conocidas Guerras de estilo (Style Wars) para nada violentas. Esta competición desemboca en las alianzas entre escritores. Es un momento muy importante, puesto que nos encontramos ante el nacimiento de las crews(pandillas, grupos). Su objetivo es la de hacerse más fuertes y así conseguir el respeto de los demás. Hay que tener en cuenta de que el hecho de que haya más miembros de un mismo grupo poniendo el mismo nombre facilita el acto de “dejarse ver” (gettin’ up).
El Graffity Salvadoreño
El Graffitti es un arte callejero. Sus primeras manifestaciones datan de los años 60 cuando los primeros graffiteros, influídos por la música hip-hop, se dedicaban a firmar (taguear) y pintar en los suburbios de Nueva York.
No es hasta los años 70 que Demetrio, un adolescente de la calle 183, revolucionó el escenario del graffiti en Estados Unidos a raíz de su famosísima firma callejera: Taki 183.De manera silenciosa el graffitti se fue apoderando de las calles y barrios angelinos y neoyorquinos hasta extenderse a otros países.
En El Salvador este arte se difundió a finales de los 90 cuando algunos graffiteros de laOld School regresaron al país. Uno de los primeros salvadoreños en revolucionar este arte fue el fundador del crew FNR en California: Dusk (o "El viejo Dusk" para algunos) que inició "manchado" en la zona periférica del Centro de San Salvador.
No es hasta los años 70 que Demetrio, un adolescente de la calle 183, revolucionó el escenario del graffiti en Estados Unidos a raíz de su famosísima firma callejera: Taki 183.De manera silenciosa el graffitti se fue apoderando de las calles y barrios angelinos y neoyorquinos hasta extenderse a otros países.
En El Salvador este arte se difundió a finales de los 90 cuando algunos graffiteros de laOld School regresaron al país. Uno de los primeros salvadoreños en revolucionar este arte fue el fundador del crew FNR en California: Dusk (o "El viejo Dusk" para algunos) que inició "manchado" en la zona periférica del Centro de San Salvador.
Como entendemos el graffity salvadoreño?
En el salvador mas bien el graffity se entiende la mayoria de gente como una delincuencia,en fin el pueblo salvadoreño nadie esta de acuerdo con ese tipo de arte.
Es un arte el graffity? porque?
El Tabú
Tabú explora las prácticas extrañas, y a veces perturbadoras, de diversas culturas dentro y fuera de nuestro continente.
A pesar de compartir un mismo idioma, territorio geográfico e identidad cultural cada país tiene sus propias normas y códigos; lo que es aceptable en uno puede ser tabú en otro. Tabú llevará a la audiencia a viajar hacia lo desconocido y muchas veces impactante en América Latina.
Cada uno de los episodios filmados en Latinoamérica se aleja de los estereotipos sobre nuestra cultura. El objetivo es reflejar nuestras historias desde nuestro propio punto de vista, el de los latinoamericanos.
Tabú presenta historias que van desde prácticas con los muertos, los extremos de la fe, las curas extremas o santería, los ritos de iniciación, la deformación del cuerpo humano, el uso de drogas y hasta trabajos repugnantes o tabús.
Sobre la serie
Las culturas exóticas captan nuestra imaginación. Pero los misterios de cada una de ellas a veces parecen demasiado peligrosos, perversos, prohibidos o demasiado sagrados para nuestra sensibilidad cotidiana.
A través de nuestros rituales, celebramos nacimientos y muertes, nos preparamos para viajes, casamientos o conquistas, desatamos el poder para curarnos y transformarnos, e ingresamos a otro mundo. Un mundo en donde las reglas cotidianas no se aplican, en donde habitan brujas, hechiceros y chamanes: el mundo del tabú.
Tabú, taboo o tapu... no importa cómo lo escriba, el mundo polinesio evoca imágenes de culturas que trascienden la vida mundana hacia el "otro mundo". ¿Pero eso es todo? Tabú es cualquier cosa prohibida por las costumbres sociales, cualquier forma de ser o práctica considerada inaceptable para uno u otro grupo.
Comportamientos que eran corrientes, rituales que definían y preservaban una cultura pero que ahora han sido prohibidos u ocultados. Ese es el mundo de Tabú: secreto, sagrado, fuera de lo corriente y, sin embargo, parte de la experiencia cotidiana del hombre.
Filmada en alta definición, esta nueva temporada de Tabú se interna en las extrañas y a veces perturbadoras prácticas de las culturas del mundo.
Los temas incluyen la muerte, la devoción extrema, los ritos de iniciación, crimen y castigo, la niñez extrema, el amor mancillado y los cambios de género. Cada cultura tiene sus propios códigos de conducta, y lo que es aceptable en una puede ser tabú en otra.
A pesar de compartir un mismo idioma, territorio geográfico e identidad cultural cada país tiene sus propias normas y códigos; lo que es aceptable en uno puede ser tabú en otro. Tabú llevará a la audiencia a viajar hacia lo desconocido y muchas veces impactante en América Latina.
Cada uno de los episodios filmados en Latinoamérica se aleja de los estereotipos sobre nuestra cultura. El objetivo es reflejar nuestras historias desde nuestro propio punto de vista, el de los latinoamericanos.
Tabú presenta historias que van desde prácticas con los muertos, los extremos de la fe, las curas extremas o santería, los ritos de iniciación, la deformación del cuerpo humano, el uso de drogas y hasta trabajos repugnantes o tabús.
Sobre la serie
Las culturas exóticas captan nuestra imaginación. Pero los misterios de cada una de ellas a veces parecen demasiado peligrosos, perversos, prohibidos o demasiado sagrados para nuestra sensibilidad cotidiana.
A través de nuestros rituales, celebramos nacimientos y muertes, nos preparamos para viajes, casamientos o conquistas, desatamos el poder para curarnos y transformarnos, e ingresamos a otro mundo. Un mundo en donde las reglas cotidianas no se aplican, en donde habitan brujas, hechiceros y chamanes: el mundo del tabú.
Tabú, taboo o tapu... no importa cómo lo escriba, el mundo polinesio evoca imágenes de culturas que trascienden la vida mundana hacia el "otro mundo". ¿Pero eso es todo? Tabú es cualquier cosa prohibida por las costumbres sociales, cualquier forma de ser o práctica considerada inaceptable para uno u otro grupo.
Comportamientos que eran corrientes, rituales que definían y preservaban una cultura pero que ahora han sido prohibidos u ocultados. Ese es el mundo de Tabú: secreto, sagrado, fuera de lo corriente y, sin embargo, parte de la experiencia cotidiana del hombre.
Filmada en alta definición, esta nueva temporada de Tabú se interna en las extrañas y a veces perturbadoras prácticas de las culturas del mundo.
Los temas incluyen la muerte, la devoción extrema, los ritos de iniciación, crimen y castigo, la niñez extrema, el amor mancillado y los cambios de género. Cada cultura tiene sus propios códigos de conducta, y lo que es aceptable en una puede ser tabú en otra.
Tabú Latinoamericana
Paula es diseñadora industrial y transexual; Brigidte ha dejado de ser ese Luis Guillermo que nació hace más de 40 años, Emilio González se gana la vida practicando la suspensión; y Caín es un tatuador que hace todo lo posible por parecerse al diablo. Ellos son algunos de los personajes que protagonizan ‘Tabú Latinoamérica', la nueva serie de NatGeo que se estrena este 23 de mayo a las 10 de la noche.
Como su nombre lo indica, el programa es un viaje hacia lo desconocido e impactante de la región, a lo prohibido por las costumbres sociales, y para verlo obligatoriamente toca dejar a un lado los estereotipos.
Por ejemplo, los casos de transexualismo de Paula y Brigidte pueden resultar muy normales para algunas personas, pues cada vez son más cotidianos los temas que tienen que ver con la comunidad LGBT (lesbianas, gays, bisexuales y personas transgénero); pero ver a González colgado del techo con unas cuerdas que salen de su cuerpo gracias a unos ganchos incrustados en su espalda, pues es realmente aterrador.
Se puede pensar ¿cómo es capaz de hacer eso, qué tiene en la cabeza? Pero basta hablar unos minutos con este venezolano para entender que ese es su trabajo, que come y sostiene a su familia con el dinero que gana en los espectáculos que ofrece, y que como muchos hombres vive en función de su esposa e hijos.
Caín, por su parte, puede tener un físico que para muchos puede ser chocante pues, según él, en los 2.300 años que lleva en la vida se ha dedicado a modificar su cuerpo con tal de parecerse al diablo. Sin embargo, sostiene, "soy muy normal y seguiré cambiando mi cuerpo porque no le hago daño a nadie...Hasta las personas modificadas tiene un corazón".
Estas son algunas de las historias secretas, sagradas y fuera de lo común que se exhibirán en los 12 episodios de la primera temporada de Tabú Latinoamérica, serie que recorre más de 160.000 km. a través de más de 20 ciudades en Argentina, Brasil, Colombia, México y Venezuela.
Carmen Larios, Productora Ejecutiva de Nat Geo, explica que el proyecto producido por FoxTelecolombia "es atractivo y relevante para la región porque presenta una gran diversidad de temáticas que sorprenden, absolutamente propias de nuestra cultura y contemporáneas".
El capítulo de estreno se llama ‘Cuerpos Modificados' y se emitirá el 23 de mayo a las 10 de la noche. Los televidentes verán en esta entrega la historia de Emilio, Caín y una técnica milenaria, la escarificación, que en Argentina se está convirtiendo en moda en pleno siglo XXI: cortes sobre la piel para formar figuras con las cicatrices.
Como su nombre lo indica, el programa es un viaje hacia lo desconocido e impactante de la región, a lo prohibido por las costumbres sociales, y para verlo obligatoriamente toca dejar a un lado los estereotipos.
Por ejemplo, los casos de transexualismo de Paula y Brigidte pueden resultar muy normales para algunas personas, pues cada vez son más cotidianos los temas que tienen que ver con la comunidad LGBT (lesbianas, gays, bisexuales y personas transgénero); pero ver a González colgado del techo con unas cuerdas que salen de su cuerpo gracias a unos ganchos incrustados en su espalda, pues es realmente aterrador.
Se puede pensar ¿cómo es capaz de hacer eso, qué tiene en la cabeza? Pero basta hablar unos minutos con este venezolano para entender que ese es su trabajo, que come y sostiene a su familia con el dinero que gana en los espectáculos que ofrece, y que como muchos hombres vive en función de su esposa e hijos.
Caín, por su parte, puede tener un físico que para muchos puede ser chocante pues, según él, en los 2.300 años que lleva en la vida se ha dedicado a modificar su cuerpo con tal de parecerse al diablo. Sin embargo, sostiene, "soy muy normal y seguiré cambiando mi cuerpo porque no le hago daño a nadie...Hasta las personas modificadas tiene un corazón".
Estas son algunas de las historias secretas, sagradas y fuera de lo común que se exhibirán en los 12 episodios de la primera temporada de Tabú Latinoamérica, serie que recorre más de 160.000 km. a través de más de 20 ciudades en Argentina, Brasil, Colombia, México y Venezuela.
Carmen Larios, Productora Ejecutiva de Nat Geo, explica que el proyecto producido por FoxTelecolombia "es atractivo y relevante para la región porque presenta una gran diversidad de temáticas que sorprenden, absolutamente propias de nuestra cultura y contemporáneas".
El capítulo de estreno se llama ‘Cuerpos Modificados' y se emitirá el 23 de mayo a las 10 de la noche. Los televidentes verán en esta entrega la historia de Emilio, Caín y una técnica milenaria, la escarificación, que en Argentina se está convirtiendo en moda en pleno siglo XXI: cortes sobre la piel para formar figuras con las cicatrices.
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